No início Fripp formou o grupo com os irmãos Giles (Peter, baixista, e Michael, baterista). O primeiro disco foi gravado em quatro dias — The Cheerful Insanity of Giles, Giles and Fripp — e dele foram tirados os singles que tanto irritaram Keith Moon. O álbum completo só foi lançado em
setembro. Por essa época entram então no grupo aqueles que também seriam os pilares da criatividade do King Crimson, o poeta Pete Sinfield e o guitarrista Greg Lake. Greg veio morar com Fripp (estudaram juntos) e com a
saída de Peter Giles passa a ocupar seu lugar. Mais tarde Greg vai ser o segundo no mega trio do progressivo Emerson, Lake and Palmer. Com a entrada desses dois, o grupo adota o nome King Crimson, isso já em janeiro de 69. Em abril fazem sua primeira aparição no Speakeasy de Londres e no dia 14 de maio, após uma apresentação no Revolution, Fripp foi procurado por Jimi Hendrix que disse:
“toque minha mão esquerda, cara, está mais perto do meu coração”. No dia 5 de julho, na abertura do show dos Stones em homenagem a Brian Jones, o Crimson toca para cerca de 600 mil pessoase ganha o espaço na mídia que precisava. O Melody Maker foi entusiasta: “O King Crimson será um gigante — diz o jornalista B. P. Falon. Talvez eu esteja errado. Talvez. Dêem um ano e saberemos. Não, menos. Seis meses…”

“In The Court of the Crimson King” é o primeiro álbum do grupo, lançado em outubro. O sucesso é imediato e abre as portas da América para sua primeira grande excursão, onde se apresentam ao lado de nomes como The Band, Jefferson Airplane, Janis Joplin, Johnny Winter, Rolling Stones. Keith Moon, nesse momento, certamente já havia pedido desculpas a Fripp.

Em 1970 o grupo se esfacela. Greg Lake vai formar o Emerson, Lake & Palmer: antes Michael Giles e Ian Wallace, que havia entrado também no grupo, haviam deixado Fripp falando sozinho. E em fevereiro, o pintor que idealizou a capa do primeiro LP do grupo, Berry Godber, falece de ataque cardíaco aos 24 anos. A barra pesou e o disco programado para aquele ano sai estraçalhado, porém mesmo assim “In the Wake of Poseidon” é uma obra-prima, com uma trilogia instrumental onde Fripp toca pela primeira vez o mellotron. Segundo Valdir Montanari, no trabalho “King Crimson, ou melhor King Fripp”, Elton John era para ter cantado em Poseidon, “pela cifra de 250 libras esterlinas. Entretanto, Fripp acabou não gostando dele”. A partir dessa época, sem grupo, sem músicos, Fripp radicaliza. O primeiro trabalho, de dezembro de 70, é o disco Lizzard, onde incorpora o jazz ao “rock sinfônico” que começava a surgir com os “progressistas”. Daí pra frente ninguém mais parou no Crimson, com músicos se alternado, entrando e saindo do grupo. Fripp trabalha com Brian Eno, ex-Roxy Music, Bill Bruford, ex-Yes. Em 76, anuncia em um disco o fim do grupo, mas volta em 81. No intervalo trabalha com Eno, Talking Heads, David Bowie. No final doa anos 80 a formação fica de acordo com o que sempre norteou seu trabalho: o experimentalismo. Bill Bruford volta à bateria, Tony Levin toca o stick, (um baixo que se toca como se fosse um teclado), e a outra guitarra fica nas mãos de um prodígio chamado Adrian Belew, que “aprendeu” com Frank Zappa, tocou nos Talking Heads e com David Bowie (inclusive na excursão brasileira). Dessa formação sai o álbum “Discipline” e um ano depois “Beat”. Duas pérolas do rock experimental.

Uma curiosidade, Steve Harris,  baixista e principal compositor do Iron Maiden, mencionou que seu trabalho têm influência do King Crimson.

Abaixo segue alguns vídeos de King Crimson:

King Crimson – 21st Century Schizoid Man.

http://www.youtube.com/watch?v=ujIbpt-CCTY

King Crimson – Epitaph.

http://www.youtube.com/watch?v=tcmGllrK2t0

O rock lisérgico e conceitual do Pink Floyd:

Roger Waters havia acabado de trocar o subúrbio pela agitação de Londres e logo encontra outros dois “forasteiros” de Birmingham, Rick Wright e Nick Mason, na Escola Politécnica em que deviam estudar arquitetura.
Deviam, porque nas conversas o assunto era apenas música. Um dia aparece na vida dos três um outro “desertor” da escola de Belas Artes, um sujeito estranho e com idéias malucas chamado Roger Keith Barret, apelidado Syd, 18 anos de idade e experiências que incluíam as incursões pelas drogas e pelo bas-fond da cidade.
Syd viera de Cambridge junto com David Gilmour, e juntos já faziam algum som e muita confusão. O contato com Syd pirou a cabeça de Roger, Rick e Nick, que abandonam a escola de Arquitetura e fundam um grupo para se apresentar nos bares. Ainda não era o Pink Floyd, nome que adotam apenas um ano depois, com muita pretensão: The Pink Floyd Sound. Idéia de Syd, que uniu os nomes de dois blueseiros, Pink Anderson e Floyd Council. Um ano depois cai o Sound. No ano seguinte esquecem o The. Era 1966, Frank Zappa já mostrava alguns caminhos com seu “Mothers of Invention”, Robert Fripp circulava com o King Crimson e suas dissonâncias, os Beatles incluíam o sitar indiano e o cravo barroco em sua música e Syd Barret, fervoroso adepto do ácido lisérgico, abria um novo caminho para seu grupo, com melodias próprias, lindas e estranhas.

Um som diferente, uma música espacial, erudita, feita de harmonias e efeitos. Interessante é que o próprio Waters lembra que o disco que Syd mais ouvia naquele período era o “Between The Buttons”, dos Stones (lançado em janeiro de 67), porém não dá para perceber nenhuma influência dos Stones no seu trabalho.

Foi nessa época que Syd começou a “viajar” com as bolhas coloridas que os grupos da Califórnia usavam nos shows, adaptando aos seus concertos toda parafernália visual que chegava a suas mãos. Todos os grupos partiam para o rock vigoroso da bateria e dos solos rascantes. O Floyd sacrificava o sucesso tecendo harmonias e estruturas sonoras límpidas, envolventes e dispersas em climas soturnos. No palco, para aumentar o efeito que queria com as letras e a melodia o grupo usava as luzes estroboscópicas e coloridas, filmes, slides. Nada de sucesso, nada de disco nas paradas.

O Floyd era o marginal chique, que todos deviam conhecer mas que ainda não interessava à indústria. O ano de 66 passou assim em branco. No verão de 67 estão com dois avulsos, a misteriosa fábula Arnold Layne e o onírico See Emily Play. O Pink Floyd é odiado nos bailes, sua música é considerada sem ritmo, não convida à dança. É adorado porém pela “inteligentsia”, pelo circuito in. Waters, porta voz do grupo, divulga o manifesto do Floyd:
“tocamos o que queremos e o que achamos novo. Somos a
orquestra do movimento alternativo porque tocamos o que
as pessoas livres querem ouvir…”.
Em julho gravam seu primeiro álbum, “The Piper ant The Gates of Dawn”, iniciando uma histórica série de álbuns conceituais, com sonoridade única, marca registrada do Floyd.

O primeiro álbum do Pink Floyd sai no entanto em um momento crítico para o grupo. O louco e brilhante Syd Barret, responsável pela filosofia, pelo visual e pelos primeiros sucessos do grupo está irremediavelmente perdido numa nuvem de loucura, insensatez, acessos de fúria, viagens… Para no meio do show para afinar a guitarra, vive olhando para um vazio infinito. Durante um show nos EUA, insiste em tocar uma única nota. Mason, Wright e Waters têm que tomar uma decisão difícil. Syd além de grande amigo é a alma do Pink Floyd. Porém não há mais solução. O grupo decide colocar outro guitarrista no seu lugar e chama da França David Gilmour, amigo de Syd. Gilmour não tem a inspiração louca de Syd mas sua guitarra traz um som que será o som do Floyd, com tecituras leves, longas sustentações nas notas, bem de acordo com o clima que o grupo passa a dar ao seu trabalho: uma fusão rock/música concreta, arranjos experimentais, climáticos.

O segundo álbum, Saucerful of Secrets traz uma faixa com o mesmo nome de 11 minutos, com o órgão de Wright e a guitarra de Gilmour flutuando sobre o arranjo rítmico. Depois desse disco o grupo sai do circuito alternativo/universitário e vai para a França, onde Gilmour tem amigos. É o início de 68 e o som do Pink Floyd faz a cabeça dos estudantes de Paris que se agitam nas “barricadas” do chamado Maio de 68, movimento de
contestação estudantil.

Na mesma Paris o som do Floyd é fundo musical para uma exposição de op-art, iniciando um outro namoro que seria uma constante no grupo: a combinação da música com outras artes, principalmente o cinema. More, filme de Barbet Schroeder, é o primeiro filme com trilha do Floyd. No ano seguinte seriam responsáveis pelo som que ilustra a cena mais importante de Zabriskie Point, outro clássico de Michelangelo Antonioni sobre a década de 60 (ele já havia feito Blow-up, com os Yardbirs, lembram-se?). A música do Pink Floyd aparece na cena final, onde uma casa tipicamente classe média americana explode levando para o ar todos os símbolos do consumo que os híppies deixaram de lado — tv, geladeira, carros, cachorros-quentes. Antes já haviam lançado Ummagumma, considerada a soma mais perfeita das experiências do Pink Floyd até então, onde cada um gravou sua parte separadamente.

Em 69 o grupo tenta ainda trazer Barret para o estúdio e produzem um álbum-documento (The Madcap Laughs).
No ano seguinte, depois de nova tentativa com o amigo, desistem definitivamente de ter Syd como companheiro musical. A década estava acabada, muitos grupos haviam sido desfeitos, os festivais acabaram, mas o Pink Floyd começa a partir dali, daquele início dos 70, a abrir mais espaço para suas experiências, agora melhor recebidas. Os shows do grupo passam a acontecer ao ar livre, os sons etéreos, “pensantes” do Floyd sobrevoam as árvores do Hyde Park, as toneladas de amplificadores, filmes, bombas de efeitos, luzes gigantes correm os Estados Unidos de costa a costa e nasce nesse ano o trabalho mais discutido do grupo: Atom Heart Mother.

De um lado o disco contém músicas curtas. O outro é uma longa suíte com uma miscelânea de rock, música concreta e romântica, gravada com o apoio de uma orquestra e coro. O próximo álbum, “Meddle”, traz outro hit longo e descritivo, “Echoes”, que é tema de um especial de TV, Live at Pompeii, gravado com o grupo tocando nas ruínas de Pompéia.

Logo depois lançam seu trabalho mais comovente, “uma jornada musical pelos subterrâneos da loucura”, como define Waters.

É o álbum: The Dark Side of the Moon, uma homenagem a Barret. “A face clara e brilhando da lua qualquer um pode ver. Mas só o louco vê o lado oculto da lua e de todas as coisas”, explica Rogers Waters, que agora é a grande cabeça do Floyd.

O disco é o maior sucesso do Floyd, estourando na Inglaterra e nos Estados Unidos. Os futuros lançamentos do Pink Floyd serão álbuns sempre conceituais, trabalhados em cima de uma idéia básica, com uma linguagem cinematográfica e o uso de todos os recursos possíveis de estúdio e amplificação. Sua aparelhagem é encomendada diretamente nas fábricas, para que o som do grupo ao vivo repita os efeitos que conseguem em estúdio. O Floyd continuaria esse trabalho durante todos os anos 70 e entram na década de 80 produzindo trabalhos marcantes como “The Wall”, outra idéia brilhante de Waters que se transforma em um filme lindo e o álbum “The Final Cut”, um corte profundo no sistema inglês com críticas diretas a Margareth Thatcher e um tema básico em todo o disco que estava sendo frequente no trabalho de Waters: as reminiscências-críticas à guerra.

“O Pink Floyd foi um conjunto de vanguarda, à frente dos demais. Seu trabalho com rock eletrônico era muito mais avançado do que a maioria das pessoas conhecia e seu uso de um terceiro som, antecipou-se ao quadrafônico. Sua música, mesmo sem ser memorável, atingiu todos os limites possíveis da pesquisa”. (John Kepler, na revista Rolling Stone de janeiro de 71).

Abaixo alguns vídeos das obras do Pink Floyd:

Pink Floyd – Saucerful of Secrets.

Pink Floyd – Echoes (Live at Pompeii – completo).

Pink Floyd – Time (Ao Vivo em Wembley – 16/11/1974).

http://www.youtube.com/watch?v=A31AUkJYj20

A poesia cortante de Lou Red com seu Velvet Underground:

Aqui vamos parar em outro personagem importantíssimo, marco divisor
na música dos sixties. Falamos de Lou Reed, o suprassumo da marginalia do rock.

Ele não tinha nada porque se meter naquela loucura de música. Nasceu em um bairro rico de Nova Iorque (Long Island), filho mais velho de um advogado muito rico, adolescente que tinha tudo para se adequar ao sistema. Mas Lou Reed é Lou Reed. Seus autores prediletos: Rimbaud, Shakespeare. A diversão maior: passear pelo lado sórdido de Nova Iorque, pelo wild side que colocou em música. Beats, drogados, prostitutas, este era o universo em que se sentia bem. Principalmente se pudesse colocar em ritmo de rock as poesias com que procurava mostrar suas experiências. Pesadas, diga-se de passagem.

A família insistiu e Lou entrou na universidade, para seguir a carreira do pai. Fica um ano na escola e abandona tudo, família, dinheiro, e vai viver apenas com uma pequena mesada e o salário de balconista de uma loja de discos em Nova Iorque. Seu sonho é ser poeta, compositor. Escreve poemas atrás de poemas, manda seus trabalhos para as revistas mas ninguém aceita aqueles escritos anticonvencionais. Nem beat, nem um folk comportado: apenas uma sensibilidade exacerbada em temas absolutamente incomuns. Os estudantes fazem a apologia do LSD, ele fala de heroína. Para ele inclusive escreve uma elegia profunda, que nem mesmo os grupos com que toca querem levar a público. E ele passa de banda em banda, de bar em bar, até encontrar o parceiro certo, um inglês fleumático que toca piano clássico: John Cale. Com mais dois músicos forma então o The Falling Spikes.

Aqui já estamos em 1965, e desde 1963 ele batalha na “grande maçã”. Um dia lê uma novela em uma revista pornográfica com nome parecido com os nomes que floresciam na cultura psicodélica (Iron Butterfly, Borboleta
de Ferro, Vanilla Fudge, Sorvete de Baunilha, Led Zeppelin, Zeppelin de Chumbo) e decide mudar o nome do grupo para Velvet Underground, Subterrâneo de Veludo. O nome certo para quem vive os subterrâneos. Mas nem assim querem saber do Velvet. Toca no Café Bizarre, do Village, bar de estudantes, pré-híppies, drogados de todos os tipos, coristas, artistas malditos como ele. Essa platéia o entende. Mas é pequena.

A “mão de anjo” aparece em 66, quando Andy Warhol (Warhol já era um cara de grana e poder dentro da publicidade quando criou uma fábrica de “loucos”, a Factory, imenso estúdio onde misturou artes plásticas, cinema experimental, vídeo e, é claro, rock. Além de muito homossexualismo. Tanto que a pop-art é quase sinônimo de Andy Warhol, apesar de outros nomes importantes nessa corrente das artes que balançou os sixties), conhece o grupo e leva Lou e banda para a Factory. Lá ele pode ensaiar, conviver com todo tipo de artistas marginais como ele. O Velvet passa a fazer parte do projeto de “artetotal” de Warhol, fazendo backing e trilhas para seus projetos malucos; circulando pelos subterrâneos da cidade; participando de happenings. Nico, superestrela do underground, entra no grupo e junto com Lou canta a loucura de Nova Iorque, a droga, o que acontece na rua, com um ritmo que Cale faz ficar agressivo, violento, primitivo. Maldito em Nova Iorque é como maldito no Brasil (que o digam Mautner, Macalé, Melodia) — têm um público que se identifica e cresce a cada show. O Velvet, ao lado de Andy Warhol, vira in, cult. A imprensa, contudo, detesta o grupo, a América odeia a excursão que fazem em 66/67.

Lou Reed, porém, é Lou Reed, marginal assumido, confesso, irredutível. E o Velvet sobrevive dois anos, até que Warhol consegue um contrato de gravação. Mais por sua influência do que pelo som e pelas loucuras que o grupo comete. “Cada disco do grupo vai, automaticamente, para a geladeira”, lembra Ana Maria Bahiana (a mulher que mais entende de rock no Brasil, hoje correspondente de um jornal nos EUA). “Nenhuma divulgação, nenhuma venda digna de nome”. Nico e Cale abandonam o grupo, Lou continua sozinho. “Cabelos curtíssimos, casaco de couro, cara fechada, é um estranho anacronismo ambulante”, continua Ana. “Nem poeta do New Yorker, nem compositor profissional, nem astro de rock, Lou é um fracasso doloroso que se sustenta com o vício e com a amizade de Doug Yale, que apresenta como irmão”.

Era quase o fim do Velvet, que termina a década tocando em uma boate de homossexuais e Lou desaparece. O Velvet tinha chegado ao fim. Lou se recolhe a casa da família em Long Island. Um ano depois, já em 71, é convidado e participa de um recital de poesia no mesmo Village. Ali recita as letras de Heroin, Venus in Furs, Waiting for the Man (olha os títulos!) O tempo havia passado, e começam a entender suas letras malditas. Recebe um convite para escrever na revista Fusion, as coisas começam a melhorar e então ele vai para a Inglaterra, onde grava o primeiro disco solo. Nada, Ninguém quer saber de Lou também em Londres. Volta aos subterrâneos, se entrega como sempre ao mundo que conhece — drogas pesadas, etc. — e então acontece. Bowie, agora o protegido de Warhol, porque também teve que comer o pão que o diabo amassou até se firmar como estrela, relança Lou Reed. “Walk in The Wild Side”, seu hino até hoje, chega à parada de sucessos e, voltamos a Ana Maria Bahiana, “da noite para o dia, Lou sai do subterrâneo para a luz. E não se deixa afetar. Continua mal encarado, sombrio, arrogante…”. No próximo disco, já sem Bowie, grava com Jack Bruce (Cream), Stevie Winwood (Traffic), Aysley Dunbar e Steve Hunter. Faz um trabalho cinematográfico de terror e amargura, contando a história de um casal em Berlim. O nome do disco, aliás, é este: Berlin (com n, mesmo). Estava incrustada no céu do rock mais uma estrela de brilho venusiano.

“Lou Reed é o autor mais importante e mais definitivo do rock moderno. Não por causa do que ele escreve, mas pela orientação que ele dá ao que escreve. Metade dos grupos que estão por aí não existiriam sem Lou. Nova
Iorque é Lou Reed”.

Assinado: David Bowie.

Abaixo alguns vídeos de Lou Reed e Volvet Underground:

The Velvet Underground – Waiting for the Man.

The Volvet Underground & Nico – Sounday Morning.

Lou Reed – Perfect Day.

Lou Reed – Walk in The Wild Side.

Bem galera, por hoje é isso, terminamos assim nossa viagem de hoje, tenham todos uma ótima tarde e até a próxima.